Encabezamiento ATI

 

Curso 01:  Acercamiento a la Música Electroacústica: Guía Previa 1
 


 

 

¿Qué es la música electroacústica?

 

Como una constante a lo largo de la historia, vemos que las nuevas tecnologías aplicadas a cualquier arte siempre han desencadenado, en mayor o menor medida, una revolución de planteamientos estéticos: la utilización de  nuevas herramientas en la interpretación y en la creación la cambian notablemente, potenciando sus posibilidades. Siguiendo esta estela perenne, a los instrumentos musicales habituales, acústicos, el siglo XX añadió unos nuevos productores de sonido, cuya fuente no eran las cuerdas, macillos, tubos o cajas de resonancia, sino la electricidad.

Para conceptuarla y definirla, a toda la música creada con estos nuevos instrumentos se le denomina música electroacústica, término que engloba numerosas corrientes artístico-musicales que van evolucionando paralelamente al desarrollo tecnológico. La última corriente incorporada es la denominada “cibernética”, que aprovecha los nuevos recursos digitales propios de los últimos avances en el campo tecnológico.

Música electrónica es el término utilizado para la música creada completamente usando dispositivos electrónicos (así pues, a partir de esta definición, se puede establecer una cierta diferencia entre los instrumentos que producen el sonido a través de medios electromecánicos como distintos a los instrumentos que producen el sonido usando componentes electrónicos).

Ejemplos de instrumentos electromecánicos son el Teleharmonium,  el Hammond B3, y la guitarra eléctrica, mientras que ejemplos de instrumentos electrónicos son el Theremin, el sintetizador, y el ordenador.

 

Música Electroacústica Pura 

 

Es aquella que se realiza en un estudio y se graba en un soporte (antes cinta de bobina, actualmente cinta digital DAT, o disco compacto CD), y se reproduce en una sala de concierto o en cualquier otro espacio. Este tipo de música se suele utilizar como medio sonoro para o con otros medios (danza, teatro audiovisuales, cine, televisión, multimedia). En su primera acepción, representa la posibilidad de mezclar materiales concretos y electrónicos en una misma pieza grabada. Fue la opción de muchos compositores de las corrientes previas, para obtener un material más rico.

 

Música Electroacústica Mixta

 

Se denomina así aquella que tiene una parte pregrabada y trabajada en estudio y otra que realizan instrumentos en vivo en el momento del concierto. Actualmente estos instrumentos pueden ser acústicos (violín, violonchelo, piano...), electrónicos (sintetizadores, samplers...) o incluso ordenadores manejados por un intérprete. El resultado es la mezcla de todo lo que se produce al tiempo, una obra pensada por el compositor para todo el conjunto.

 

Música Electroacústica en Vivo (Real Time) 

 

Este tipo de música, que aparece a mitad de los 60, es similar en concepto a la música concebida para instru­mentos acústicos. Nada está grabado previamente, y se interpreta en vivo en el momento del concierto, sólo con instrumentos electroacústicos o añadiendo también instrumentos acústicos.

En los años 60 diversas agrupaciones cultivan esta modalidad, como, por ejemplo, Stockhausen's Ensemble, Musica Elettronica Viva en Roma, Sonic Arts Union en EEUU, etc.

En los 70, Steve Reich y Philip Glass, composito­res americanos, crean, también en EE UU, grupos de este tipo para interpretar su música.

Todas estas agrupaciones han ido evolucionando con los avances tecnológicos, e introduciendo nuevos instrumentos, sobre todo ordenadores.

 

 

 EVOLUCIÓN HISTÓRICA DE LOS ESTILOS EN EL S.XX

 

En esta "guía" previa realizamos un mínimo repaso por las principales corrientes musicales desarrolladas a lo largo del S.XX y que es obligatorio conocer. En este repaso, se subrayarán aquellas corrientes que entran de lleno en la categoría de “música electroacústica o alternativas” y serán, por tanto, desarrolladas explícitamente en los apuntes correspondientes:    

                          

   POSTROMANTICISMO :  

 

      Mientras el Impresionismo estaba comenzando, se debatían con plena fuerza los últimos reductos de una música ligada al Romanticismo, conocida también como; tal es el caso del sinfonista Gustav Mahler . Hombre enormemente pesimista que intuyó la catástrofe a donde se dirigía Europa, su música está llena de un fuerte expresionismo y romanticismo al mismo tiempo; su lenguaje musical se llenará de elementos para expresar toda su preocupación.

 

 ULTRACROMATISMO

 

Lenguaje opuesto al de Mahler es el optimista de Richard Strauss , que sigue produciendo obras de estilo postromántico (en la estela de Wagner ) cuando toda Europa estaba lanzada a nuevos inventos. Dentro de estos hombres que permanecen en una música ligada al pasado, durante bastante tiempo, está el alemán Max Reger (ultracromático). Las obras postrománticas se estrenarán en la misma época que las impresionistas o incluso con posterioridad .

 En la primera mitad del siglo XX, coincidiendo con el Impresionismo, el postromanticismo, y los nacionalismos tardíos surgen dos músicos que van a implantar una serie de innovaciones esenciales que van a llevar el lenguaje musical a un cambio absoluto: Stravinsky y Schoenberg.

 

  EL MODERNISMO AMERICANO

 

Estados Unidos va cobrando protagonismo internacional, entre otras razones porque muchos compositores europeos emigran tras la 1ª Guerra Mundial. Charles Ives  es el primer músico que va a desarrollar una actividad musical de gran originalidad, sobre todo rítmica. Henry Cowell, es realmente el creador de los "clusters", técnica que consiste en unir una serie de notas próximas con lo que surge un "casi ruido", mientras que, por otro lado, habitualmente no le imprime excesivo movimiento a su música, por lo que parece algo estático. Edgar Varése, francés pero que vivió la mayor parte de su vida en EEUU, fue el primero en escribir una obra exclusiva para percusionistas.

 

    NACIONALISMO PROGRESIVO: 

 

Igor Stravinsky, ha sido considerado como un gran artesano que investigó en todos los aspectos de la música haciéndola evolucionar en el ritmo, la instrumentación y sonido. Prácticamente pasó por todos los estilos musicales utilizados en la primera mitad del SXX: desde el folklorismo o primitivismo, pasando por el Neoclasicismo, hasta el Dodecafonismo de sus últimas obras. Bartók, Prokofiev o Falla llevaron este movimiento desde su radicalismo primitivista original a un neoclasicismo  avanzado.

 

  EXPRESIONISMO

 

Esta tendencia, predominantemente alemana, se apoya en la expresión del alma del ser humano y rebasa las barreras puramente estéticas .  Arnold Schoenberg , discípulo de Mahler, comienza en la línea postromántica , pero evolucionará creando un lenguaje totalmente nuevo. Su segunda línea de creación será el expresionismo radical, hasta llegar al atonalismo, con obras en las que la voz realiza una especie de recitado hablado. Finalmente, desarrolló  la técnica llamada "composición de doce sonidos sin relación entre ellos", o, lo que es lo mismo, el "dodecafonismo" o "música serial". En torno a Schoenberg y sus discípulos Berg y Webern se crea la "Escuela de Viena", en la que se sigue el sistema dodecafónico más rígido y puro.

 

  LAS PRIMERAS VANGUARDIAS:

 

Italia, desde 1906, ve florecer el futurismo, la primera vanguardia “absoluta” de los nuevos tiempos. Es un movimiento literario-artístico y musical en el que se exaltaba la máquina como punto de partida de una nueva civilización  y en el que se incorpora un nuevo y desconcertante mundo sonoro: el ruido. Russolo y Pratella son los primeros que crean esta nueva música (aunque el liderazgo hay que adjudicárselo a un poeta-político, Marinetti. En 1913 dan el primer concierto con Intonarumori, "entonaruidos", máquinas diseñadas ex-profeso para producir una amplia variedad de ellos en el escenario).

Unos años después, en Francia, el “grupo de Los Seis” reaccionan también ante el Impresionismo, encabezados por Satie. Su música está relacionada con el surrealismo y terminará desembocando en un NEO-CLASICISMO emergente.

 

LA MÚSICA UTILITARIA:

 

En Alemania, como respuesta, se reacciona contra todos estos grupos anteriores y contra todas las innovaciones. Por eso, llamarán a su música "Música Utilitaria", porque pretenden utilizar un lenguaje que entendiese el pueblo y que fuese "usable". Surgen así Hindemith y Orff, con una música de carácter pedagógico y rica rítmicamente.

 En  Rusia, y por motivos en parte políticos, este NUEVO CLASICISMO, que se entronca con la tendencia francesa análoga, y con la “Música Funcional” alemana , está representado por Katchaturian (con ribetes folklóricos evidentes) y con  Prokofiev, mucho más internacional en sus inicios, pero que, de vuelta la URSS,  se convierte en mucho más “académico”.

 

LA GENERACIÓN DEL 27 MUSICAL:

 

En España sigue vigente muchos años el nacionalismo, pero surge un grupo de músicos que en 1927 comienzan a producir sus obras más importantes, como: los hermanos Halffter, Bacarisse, Joaquín Rodrigo, Montsalvatge, etc. Esta generación estará marcada por la Guerra Civil, que no sólo los va a desperdigar sino que los va a aislar impidiendo que conozcan los nuevos inventos que se estaban produciendo en Europa, por lo que seguirán componiendo una música bastante tradicional.

 

LOS  SERIALISMOS:

 

Desde antes, y paralelamente al tiempo en que surgieron las revoluciones de la música concreta y electrónica (década de los cuarenta), otra serie de músicos estaban encontrando otras formas totalmente nuevas de hacer música y diferentes de las anteriores que conocemos con el nombre de Serialismo (además de la serie dodecafónica, usada como factor imprescindible de unidad en el sistema dodecaf6nico serial, también pueden « serializarse» todos los demás parámetros sonoros, esto es, no sólo se utilizan en un orden determinado o seriado las alturas sonoras, si no también las duraciones, matices, timbres, intervalos, etc., con lo que se formulan células que se irán desarrollando posteriormente, constituyendo de esta forma un principio básico unificador).

Dichos serialismos se abren en varias corrientes: el primero, el serialismo integral, derivado directamente del control paramétrico de Webern. En esta misma técnica sobresaldrán autores como Boulez, Stockhausen,Berio ,Maderna y Nono.

Por otro lado, un serialismo más libre y “autoconformado en sus principios”, según ciertos “modos de intensidades y valores” determinados y elegidos previamente por el autor. En estos estilos más abiertos (dentro de su férreo control), destacan Messiaen, que hará unos estudios muy complejos sobre ritmos, partiendo del estudio del canto de los pájaros y las riquezas rítmicas de la música de la India; y Dallapiccola, muy comprometido políticamente (denuncia social).

 

LA MÚSICA CONCRETA:

 

Desde 1948 , Schaeffer ( estudio/laboratorio de la ORTF) lleva a cabo experiencias sonoras que se conocen con el nombre de «música concreta». Se llama concreta porque según su inventor, está producida por objetos concretos (cualquier objeto) y no por los "objetos abstractos" que serían los instrumentos tradicionales. Estos ensayos tenían como base arquitectural la experiencia serial con la que ordenaba el material sonoro utilizado.

Los aparatos electroacústicos son ya imprescindibles para la creación y reproducción de esta clase de música: se basa en la manipulación de material musical pregrabado (de cualquier tipo), es decir, la producida partiendo de sonidos existentes en el mundo y provenientes de cualquier objeto: una vez recogidos los sonidos del mundo real, en cintas magnetofónicas, se elaboran radiofónicamente cambiándolos de velocidad, superponiendo pistas, poniéndolas al revés, aumentándole intensidades, etc., de tal forma que se desnaturalicen y metamorfoseen .Es una auténtica música de laboratorio. El compositor mira a cada sonido del mundo como un ente con vida independiente («objetos» sonoros) y trata de formar con miles de sonidos un mundo sonoro nuevo.

Aquí se plasma el ideario futurista de que también los ruidos pueden transformarse en material musical (son aprovechables los ruidos y sonidos de la naturaleza y del ambiente cotidiano en que se desenvuelve el ser humano, para posteriormente ser seleccionados, distorsionados o no, manipulados y finalmente unidos en una estructura temporal que luego se reproduce por medios electroacústicos). La reproducción se realiza, también, en cinta magnetofónica.

Sin embargo, un efecto colateral de este tipo de música es que desaparecen los intérpretes : una vez finalizada, queda grabada en la propia cinta magnetofónica y a partir de aquí se servirá al público.

  

 LA MÚSICA  ELECTRÓNICA:

 

Las nuevas posibilidades técnicas de generación de sonidos darán vida a un nuevo tipo de música, basada en ellos: la música electrónica. Es decir, aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente, o bien, de  otra manera, que el sonido de que se parte es producido por sintetizadores o aparatos electrónicos. El punto de partida de esta música es lo que se llama tono sinusoidal, es decir, el sonido puro, sin armónicos ( que podríamos llegar a catalogar como físicamente desagradable y que había que elaborar con aparatos muy complicados, en un primer momento). El primer concierto tendrá lugar en Darmstadt en 1951. Va a surgir un músico de gran importancia, el judío-alemán Stockhausen .

 

Muy emparentada con ella está la TAPE-MUSIC americana, que partiendo de premisas parecidas, llega a desarrollar técnicas más populares de tecnologías de vanguardia (sintetizadores portátiles), y que la hacen mucho más cercana a todos los públicos, influyendo en el contacto entre diversas corrientes musicales aparentemente contrapuestas (como la música culta y el pop o el rock). Ussachevsky y Babbitt son sus iniciadores, con una amplia lista de autores destacados.

  

LA MÚSICA  ELECTROACÚSTICA:

 

La mezcla de música concreta y la electrónica, produce lo que se ha llamado Música electroacústica (pura). En esta técnica van a componer casi todos los autores reseñados, dado que al unir ambos sistemas se aumentan las posibilidades de creación. Se destacan así los italianos Berio y Maderna, además de una serie de compositores japoneses.

Posteriormente, se comenzaron a utilizar mezclas entre sonidos electrónicos y acústicos (mixta), normalmente en directo (live-electronics).

 

 LA MÚSICA ALEATORIA

 

La música aleatoria (antirracionalista) es una forma de componer música, que surge como una reacción contra lo anterior, que se entendía como música "totalmente organizada". El azar introduce en lo racional una nueva y variada fantasía .

Esta reacción se produce en la década de los 60, con este nuevo sistema , en la que el autor no escribe totalmente la música que hay que tocar, sino que los músicos en el momento de ejecutarla tienen que inventar cosas nuevas, completando la partitura; en este sentido, efectivamente, esta música no está "totalmente organizada" sino que hace uso del azar en su proceso de ejecución o de composición y por tanto tiende a dar al intérprete la mayor libertad posible. (este azar se produce cuando el compositor deja a voluntad del intérprete un espacio temporal para improvisar sobre unos « medios dados », que pueden llamarse «módulos», o cuando el intérprete ha de elegir entre varias posibilidades de combinación de los ya mencionados «medios dados». La complejidad de los procedimientos que pueden utilizarse son infinitos : por ejemplo, una obra escrita a base de módulos, cuyo orden ha de determinar el ejecutante cada vez que toque la obra, nos proporcionará versiones distintas o nuevas ya que la misma queda supeditada a la voluntad e intención del intérprete en cada ocasión. De esta forma, cada vez que se interpreta la obra se consigue un resultado diferente, con mayor diferenciación, posiblemente, si el intérprete no es el mismo). 

No debemos pensar que ese concepto de creación y comunicación musical, aparentemente tan heterodoxo dentro de la enseñanza y práctica clásica, es un "momento" aislado dentro de la música occidental. De una manera u otra, se pueden rastrear algunos precedentes de "música aleatoria", si bien como "juegos sonoros", en maestros tan clásicos y ortodoxos como Mozart, por ejemplo [“Juego de dados musical para escribir valses con la ayuda de dos dados sin ser músico ni saber nada de composición” K 294]

 

El principal representante de la llamada música experimental, acciones musicales que a menudo se interrelacionan con el teatro, la danza y otras artes y cuyo resultado “no es previsible” es Cage.

Dentro del campo de la música aleatoria, deben incluirse las denominadas «Música flexible» y la «Música abierta».También se le denomina “música indeterminada”. Artísticamente, este tipo de música tiene un cierto paralelo con el arte llamado cinético, (por ejemplo, con la  obra de Calder, Mobile, un tipo de escultura que va surgiendo según se van moviendo las diversas partes de que consta, que son elementos móviles).

 Técnicamente hablando, podríamos decir que Música flexible es la que se produce sin compás determinado ni líneas divisorias, proporcionando elasticidad temporal al intérprete para recrear la obra con mayor libertad y sutileza que con la que facilita la música acompasada o metricada.

 

 Por otro lado, Música abierta sería aquella basada en un sistema que consiste en facilitar al intérprete la posibilidad de ofrecer, según su criterio y con muy contados elementos gráficos orientativos, versiones de la obra que podrán variar, particularmente en lo temporal, cada vez que se ofrezca. Esta ausencia de lo específico y detallado en la escritura es el fundamento de esta tendencia musical abierta hacia lo indeterminado. Las indicaciones escritas pueden serlo con las grafías nuevas que el compositor haya elegido para la sugerencia sonora apetecida, acentuando con ello la falta de indicaciones de resolución fijada, quedando así la denominación de «Música abierta» dentro del campo de lo aleatorio.

 

  LA COMPUTER MUSIC:

 

 Dentro del mundo de la electrónica, llevado a la tecnología informática y digital, van a surgir también la Música de computador o Música cibernética, en la que destacan los norteamericanos Isaacson y Hiller  y el francés Barbaud : La indeterminación aleatoria  en el plano tímbrico lleva a una determinación estadística de los sonidos, a lo que puede coadyuvar el cálculo electrónico.  El ordenador, oportunamente programado, puede calcular  también piezas enteras (Babbitt).

 

RissetLab-Cursillo de musica electroacustica - ATIGabirol

            Imagen: el estudio del compositor J.P.Risset.

  

LA MÚSICA ESTOCÁSTICA:

 

 La llamada música estocástica surge también como reacción al serialismo integral y es una forma de componer basada en el uso del ordenador y de la estadística a la hora e realizar la obra sonora. El gran cerebro de esta música es el griego Yannis Xenakis (1922), que trabajará doce años con el arquitecto Le Corbusier y estudia música con Messiaen. Se mueven también en este sistema Pousseur, Bussotti y el argentino Kagel. Esta música también tiene su paralelo en el arte cibernético, que emplea los mismos medios para producir las obras plásticas.

 

LA MÚSICA POSTSERIAL:

 

 Después de todas estas experiencias, la tendencia de los músicos más recientes es la búsqueda de un lenguaje propio ( búsqueda de lenguajes personales), para expresar sus experiencias y concepciones, por lo que es sumamente difícil dentro de la música actual aventurarse a hacer divisiones concretas.

La llamada música postserial (o música de “sonoridades”), que cronográficamente comienza ya desde finales de los 50 y sobre todo en los años 60 del siglo XX, aunque sus derivaciones estén todavía aflorando con fuerza, se basa en la depuración y minimalización de las estructuras musicales. También hay un gran trabajo sobre densidades y texturas sonoras: el pensamiento serial y la experimentación con los componentes del sonido en los laboratorios de electrónica llevaron a tentativas generales en la composición con sonoridades o timbres con la intención de determinar de un modo nuevo la estructura de los sonidos y la forma de las obras. Surge una escuela en Polonia con mucha fuerza en la que destacan Lutoslawski y Penderecki, junto a otros como Serocki y Gorecki.  El húngaro Ligeti se acerca, por afinidad, a este “nacionalismo  abierto  y global”.

    

La escuela italiana ofrece un particularismo especial: en ella, la fonética de los años 50 desempeña también un importante papel : el lenguaje es a la vez sonido (fonética) y significado (semántica). El pensamiento serial y la representación material conducen después de 1950 a composiciones con  sonidos del lenguaje, desde todos los puntos de vista (Stockhausen, Berio, Ligeti).  También ofrece obras destacadas e  innovadoras en el teatro musical experimental, con Kagel o Zimmermann .

Música comprometida.- A lo largo del siglo XX,  conscientes de las crecientes atrocidades, abusos e injusticias de todo tipo, muchos compositores se han comprometido social y políticamente para lograr un mundo más humano.  Para ello se han servido de textos cuyo mensaje inequívoco es resaltado por la conmovedora fuerza de la música. Luigi Nono, p.e., difunde las ideas humanas y políticas (de la lucha de clases) no con los medios de una música populista ( como en el realismo socialista), sino con los de la nueva música. Como precedente claro podemos citar también la colaboración entre Kurt Weill y Bertold Bretch, germen de grandes obras maestras (a pesar del pequeño tamaño de algunas piezas, convertidas en piezas de jazz). A este tipo de orientación "político-artística" se le denomina música comprometida. Hoy en día suele tomar la forma de "performances" del más variado tipo, desde teatro musical, hasta números de rock/pop.

 

LA MÚSICA SENCILLA O MINIMAL:

 

 El movimiento de la Nueva sencillez (incluida la minimal-music), aspira a introducir de nuevo la sencillez y la expresividad, a pesar de sus estructuras complejas. El minimalismo, de origen americano, explota un pandiatonismo subyacente con procedimientos repetitivos arcaicos o  de origen asiático. Esta sencillez puede envolver experimentos microtonales o electrónicos  (Posmodernismo). Por influencia de Cage, la música oriental y la música pop. etc surgió paralelamente a los movimientos del 68 una música denominada “intuitiva”, meditativa y abierta a la intuición irracional. La ampliación del espacio y el tiempo escapa a la inquietud comercial occidental, de igual modo que el término colectivo para conjunto se aleja de la conciencia romántica del genio.

 

LA MÚSICA POPULAR CONTEMPORÁNEA:

 

 Queda por nombrar, finalmente, la música que ha calado más hondo a lo largo de las últimas décadas del siglo XX, se trata de la música popular contemporánea (música pop) , cuya principal consecuencia son las corrientes estéticas y pseudoestéticas que el rock ha promovido, especialmente, entre los jóvenes. Se caracterizan por encabezar fuertes movimientos sociales y por un enorme apoyo de los medios de comunicación. Las últimas tendencias de dicha música popular tienen cada vez más puntos de contacto con la música de las vanguardias, disolviéndose, poco a poco, las fronteras dudosas entre la “música culta” y la “música popular”.

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